Enseñar lo bonito, exhibir lo feo

Hemos normalizado que las redes sociales estén hechas para enseñarlos a gente guapa y joven hacer bailecitos y poses, que muestren sus bonitas casas, su ropa y zapatos de lujo, sus perritos de raza en bolsos de Vouitton y sus comidas de restaurantes exclusivos.

Nos parece estupendo este despliegue de lo bonito, de la vida de color de rosa, del lujo indecente y de la belleza por la belleza sin más. Hasta el punto de que esto es tendencia, con miles y millones de personas que siguen a estos influencers para ver lo bonito, lo agradable, lo inalcanzable, lo soñado, lo que jamás tendremos pero que soñamos poseer algún día. El voyeurismo del lujo y lo bueno, la contemplación acrítica y compulsiva de lo que se filtra (literal y metafóricamente) para que lo veamos perfecto y sin tacha. 

Eso nos parece bien, no nos parece indecente ni nos molesta. Pero si alguien en redes sociales muestra algo desagradable, algo feo, algo humano en definitiva, nos molesta. Incluso lo escabroso y lo sádico tiene éxito, se hace viral y se habla de ello. Pero de lo humano, de la tristeza, la normalidad, la enfermedad, no queremos saber nada. A menos que esté adecuadamente suavizado y edulcorado con frases motivacionales vacías de Mr Wonderful.

Nos gusta cotillear la vida de los ricos y bellos, colarnos en sus casas, imitar sus maquillajes y modelitos, pero huimos de lo que les pasa a nuestros grises semejantes que visten de mercadillo y viven en bloques de cemento. Es comprensible, necesitamos evadirnos. O quizá no sea una inofensiva evasión, sino una alienación, el deseo de desvincularnos de lo que somos, de nuestra realidad y de comprometernos con ella. No me enseñes niños con hambre, ni animales maltratados, ni gente deshauciada, ni gente en campos de refugiados, deja que me deslumbren la base de maquillaje de la cantante famosa y bella y los músculos del actor rico. Deja que no piense en las cosas que están mal en el mundo porque estoy cansado de luchar por lo mío. 

No me enseñes la realidad porque no estoy dispuesto a cambiarla, deja que me pierda en el ensueño narcotizante de lo que me gustaría que fuera.

Y por eso, lo bonito se enseña y "lo feo" se exhibe, de forma peyorativa.

Aleluyas blancas de los zarzales floridos

Aleluya blanca

"La primavera ha venido.
Nadie sabe cómo ha sido.
La primavera ha venido.
¡Aleluyas blancas
de los zarzales floridos!"

"Nubes, sol, prado verde y caserío
en la loma, revueltos. Primavera
puso en el aire de este campo frío
la gracia de sus chopos de ribera
Los caminos del valle van al río
y allí, junto al agua, amor espera"

"Tejidos sois de primavera,amantes,
de tierra y agua y viento y sol tejidos.
La sierra en vuestros ojos los campos florecidos,
pasead vuestra mutua primavera,
y aún bebed sin temor la dulce leche
que os brida hoy la lúbrica pantera,
antes que, torva, en el camino aceche."

"Tú y yo, silenciosamente,
trabajamos , compañera,
en esta noche de marzo,
hilo a hilo, letra a letra
¡con cuánto amor! mientras duerme
el campo de primavera"

"La primavera besaba
suavemente la arboleda,
y el verde nuevo brotaba
como una verde humareda.
Las nubes iban pasando
sobre el campo juvenil..."

Primavera , en la obra de Antonio Machado

Del amor sobre las alas traicioneras

D’amor sull’ali rosee 

Vanne, sospir dolente: 

Del prigioniero misero 

Conforta l’egra mente… 

Com’aura di speranza 

Aleggia in quella stanza: 

Lo desta alle memorie,

Ai sogni dell’amor!

Ma deh! non dirgli, improvvido, 

Le pene del mio cor! 

Salvatore Cammaranno

"Del amor sobre las alas rosadas vete,
suspiro doliente;
del mísero prisionero
consuela la triste mente…
Como aurora de esperanza
refresca aquella estancia:
Despierta su memoria
a los sueños de amor
pero, ¡ay!, no vayas a decirle,
por descuido,

las penas de mi corazón."

La ópera se representó por vez primera el 19 de enero de 1853 en el Teatro Apollo de Roma donde "comenzó una marcha victoriosa a través del mundo operístico".

La trama -intricada y novelesca- se desarrolla entre Vizcaya y Aragón en el marco de la revuelta de Jaime de Urgel, a principios del siglo XV

Está situada entre "Rigoletto" y "La traviata", con las que forma una trilogía caracterizada por una dimensión teatral y melódica nueva en su Obra. Verdi no renuncia al melodismo y al canto puro, ambos congénitos a su pensamiento musical, pero a partir deRigoletto, comienza a usar más la declamación como elemento teatral; y a cuidar más las orquestaciones, que se llenan de colores más vivos y combinaciones tímbricas de extrema originalidad. Il Trovatore, como su antecesora y a diferencia de la que le siguió, es una obra “negra”, en la que la muerte vuelve a aparecer como producto de la incomunicación y los conflictos que generan las relaciones de poder. Y como enRigoletto los personajes están sicológicamente trazados a golpe de cincel; son de una potencia humana desbordante. Una vez más, Verdi se vuelve a interesar por el mundo de la superstición, de las pasiones desatadas, de las maldiciones y la venganza, elementos que definen su obra dramática (en general, y muy particularmente en Rigoletto y Trovatore) como un producto extraído desde las más profundas entrañas de la cultura popular.
 

El libreto, basado en el “El trovador”, del andaluz Antonio García Gutiérrez, es de Salvatore Cammarano, aunque este falleció antes de darlo por concluido, cosa que hizo el joven poeta Leone Emanuel Bardere. El estreno de la ópera tuvo lugar en Roma, el año 1853.

"El trovador" (título original en italiano, Il trovatore) es una ópera en cuatro actos con música de Giuseppe Verdi y libreto en italiano de Salvatore Cammarano, basada en la obra de teatro El trovador (1836) de Antonio García Gutiérrez. Cammarano murió a mediados del año 1852 antes de terminar el libreto. Esto dio al compositor la oportunidad de proponer revisiones significativas, que bajo su dirección realizó el joven libretista Leone Emanuele Bardare,​ y se ven en gran medida en la ampliación del papel de Leonora. Este, que trabajó bajo las precisas instrucciones del compositor, cambió la métrica de la canción de Azucena (de septetos a dobles quintetos) y añadió el cantable de Luna (Il balen del suo sorriso - II.3) y el de Leonora (D'amor sull'ali rosee - IV.1). El mismo Verdi, por otro lado, intervino personalmente sobre los versos finales de la ópera, abreviándolos. Verdi formulaba ideas avanzadas para la ópera italiana de su época, Cammarano adoptó una postura conservadora y no le dio lo que esperaba de él: el resultado, se puede comprobar, es exactamente lo contrario a la idea original.El músico supo la muerte de su colaborador por un obituario publicado en un diario teatral y lamentó que no hubiese ocurrido por medio de la carta de algún amigo o persona cercana.

Ocho días antes de morir, Cammarano llegó a completar Di quella pira. Verdi le entregó a la viuda del poeta, sola con seis hijos, el dinero acordado para el libretista más una suma adicional. Se necesitaba con urgencia un hombre de letras para acabar la faena - faltaban partes del tercer acto y la totalidad del cuarto- y hacer cambios de último momento. La elección recayó en un napolitano amigo de Cammarano, Leone Emanuele Bardare

"D’amor sull’ali rosee" es una de las grandes arias de Verdi escritas para la tesitura de soprano. La encontramos en el último acto de la ópera IL TROVATORE , y es uno de los momentos más importantes para el personaje de Leonora. En ese momento de la ópera, Leonora, contempla desde una de las estancias del palacio de la Alfajería, la torre donde está prisionero el trovador Manrico. El aria es la expresión del consuelo que la joven manda al trovador en esos momentos y espera que él no sepa la pena que siente en su corazón.

La mujer en el drama es sujeto pasivo, es objeto de amor y de celos, su voluntad no hace ni deshace nada, y por poseerla los héroes masculinos actúan llenos de odio y de violencia, secuestrándola y desatando guerras.

Leonora se siente impotente, lo único que posee es su cuerpo, del que no puede disponer al ser secuestrada, violada y forzada a casarse. Tan sólo posee su vida y finalmente opta por el suicidio como salida ante la violencia y la guerra desatada ante ella y por ella. Sus emociones no importan, no quiere afligir a su violento enamorado siquiera.

Dramas románticos, dramas en los que la heroína es un objeto de lucha por el poder.

Es cierto que en la misma ópera está el personaje de Azucena, una mujer proscrita, mayor y que toma parte activa en la trama, cosa que en la obra de Verdi es algo nuevo y que empezará a ser algo recurrente más adelante con personajes más bien malignos o hechicheras, siempre con finales trágicos, en la línea de Amneris y de Ulrica. Ya hablamos de obras que no son románticas, en las que los personajes adquieren más facetas y no son tan planos y se salen del típico triángulo amoroso entre el malo, el bueno y la mujer adorno.

Seguimos viendo que la mujer que tiene personalidad y voluntad de poder se convierte en bruja o en hechicera, o tiene que erguirse en reina o princesa. Casi siempre es considerada maligna e impura y se sale del ideal de mujer virtuosa pura y virginal. Leonora, doncella pura y virginal acepta su destino pasivamente, y si no consigue lo que desea se mete a monja o se suicida. No tiene voluntad de luchar ni de imponer sus deseos. La mujer es un objeto que complementa al héroe, un trofeo que le recompensa de sus fatigas y que no ha de oponerse nunca a su voluntad. Manrico es el trovador enamorado, el héroe de guerra, el perfecto ideal de caballero que necesita como excusa para luchar contra su enemigo la rivalidad amorosa.

¿Amor o lucha de poder? 

ver aria cantada por Maria Callas aquí

Juventud, ¿divino tesoro?

Juventud, divino tesoro,
¡ya te vas para no volver!
Cuando quiero llorar, no lloro...
y a veces lloro sin querer.

Rubén Darío (1867-1916) Poeta y periodista nicaragüense.

El ardimiento juvenil en sus comienzos es fogoso, pero languidece fácilmente y no dura; es el humo de una fogata liviana.

Séneca (2 AC-65) Filósofo latino.

Los jóvenes hoy en día son unos tiranos. Contradicen a sus padres, devoran su comida, y le faltan al respeto a sus maestros.

Sócrates (470 AC-399 AC) Filósofo griego.

La juventud es una religión a la que uno siempre acaba convirtiéndose.

André Malraux (1901-1976) Novelista y político francés.

La juventud tiene el genio vivo y el juicio débil.

Homero (VIII AC-VIII AC) Poeta y rapsoda griego.

Los jóvenes de hoy no parecen tener respeto alguno por el pasado ni esperanza ninguna para lo porvenir.

Hipócrates (s. V AC-s. IV AC) Médico griego.

Boughereau

La juventud (del latín iuventus) es la edad que precede inmediatamente a la edad adulta​ y se sitúa después de la infancia. La Organización Mundial de la Salud postula que la juventud comprende, en general, el rango de edad entre los 10 y los 24 años, aun cuando reconoce —por ejemplo— que puede haber «discrepancias entre la edad cronológica, la biológica y las etapas psicosociales del desarrollo», o también «grandes variaciones debidas a factores personales y ambientales».​ Abarca la pubertad o adolescencia inicial (de 10 a 14 años), la adolescencia media o tardía (de 15 a 19 años) y la juventud plena (de 20 a 24 años).

El término juventud también puede referirse a los primeros tiempos en la existencia de algo, y puede ser sinónimo de energía, vigor y frescura ( y por añadidura, de belleza).

Klimt. Las 3 edades de la mujer.

La vejez y la pérdida de la juventud se asocia a aspectos negativos como las enfermedades, la pérdida de movilidad, el cambio de apariencia  y, en general,  al empeoramiento de la calidad de vida y a la pérdida de la vitalidad y de la belleza, cualidades muy apreciadas y tal vez sobrevaloradas en nuestra sociedad

La imagen que transmiten los medios de comunicación y los productos culturales de masas transmiten un valor desmesurado a la belleza que está directamente asociada a la juventud. Vivimos en una sociedad que impone unos estereotipos ligados a la imagen de juventud y donde los cánones de belleza están sobrevalorados. La belleza y la juventud son valores per se, una persona vale más socialmente si es más bella y más joven, se le atribuyen virtudes que hemos visto en la definición del término juventud: vigor, frescura, energía, todos positivos y necesarios para triunfar en una sociedad competitiva y exigente. Los medios de comunicación nos avasallan con cosméticos, tintes para el pelo, cirugías estéticas, todo lo necesario para disimular la edad y retardar la temida vejez, porque es que incluso existen términos para designar el miedo a envejecer (gerontofobia) y el asco a las personas ancianas (gerascofobia). Es la exaltación de la juventud. La vejez se esconde. Cada año aumentan el número de operaciones estéticas, sobre todo, de mujeres con edades comprendidas entre 40 y 54 años, pues la mayor presión se ejerce sobre las mujeres, que seguimos estando sujetas a unas exigencias estéticas muy elevadas y costosas tanto material como económicas y de tiempo. 
Es habitual que, entre afectados de gerascofobia, se encuentre a personas que no han cumplido las metas que se habían marcado en su vida. En muchas ocasiones, porque estos objetivos eran demasiado difíciles y la autoexigencia demasiado elevada. La presión social a veces es muy intensa en ciertos círculos, donde se juzga a las personas en mucha mayor medida por su aspecto físico que por su capacidad.

Giorgione. Las 3 edades del hombre

Sin embargo, es necesario recordar que cada etapa de la vida tiene su misión en nuestro desarrollo vital, y que hay que vivirlas todas lo mejor posible sin aferrarnos a una en concreto, porque correríamos el riesgo de estancarnos y bno vivir cada etapa de la vida con sus luces y sombras. 

E. Erikson elaboró una Teoría del desarrollo de la personalidad a la que denominó "Teoría psicosocial". En ella describe ocho etapas del ciclo vital o estadios psicosociales (crisis o conflictos en el desarrollo de la vida, a las que han de enfrentarse las personas):​

1. Confianza básica vs. desconfianza. (hasta aproximadamente los 18 meses). Es la sensación física de confianza. Se desarrolla el vínculo que será la base de sus futuras relaciones con otras personas importantes; es receptivo a los estímulos ambientales es por ello sensible y vulnerable, a las experiencias de frustración son las experiencias más tempranas que proveen aceptación, seguridad, y satisfacción emocional y están en la base de nuestro desarrollo de individualidad.
2. Autonomía vs. vergüenza y duda (desde los 18 meses hasta los 3 años aproximadamente). Esta etapa está ligada al desarrollo muscular y de control de las eliminaciones del cuerpo. Este desarrollo es lento y progresivo y no siempre es consistente y estable por ello el bebé pasa por momentos de vergüenza y duda. El niño empieza a experimentar su propia voluntad autónoma experimentando fuerzas impulsivas que se establecen en diversas formas en la conducta del niño, y se dan oscilando entre la cooperación y la terquedad. Establece su primera emancipación de forma tal que en posteriores etapas repetirá esta emancipación de muchas maneras.
3. Iniciativa vs. culpa (desde los 3 hasta los 5 años aproximadamente). Se da en la edad del juego, el niño desarrolla actividad, imaginación y es más enérgico y locuaz, aprende a moverse más libre y violentamente, su conocimiento del lenguaje se perfecciona, comprende mejor y hace preguntas constantemente; lo que le permite expandir su imaginación. Todo esto le permite adquirir un sentimiento de iniciativa que constituye la base realista de un sentido de ambición y de propósito. Se da una crisis que se resuelve con un incremento de su sensación de ser él mismo. 
4. Laboriosidad vs. inferioridad (desde los 5 hasta los 13 años aproximadamente). Es la etapa en la que el niño comienza su instrucción preescolar y escolar, está ansioso por hacer cosas junto con otros, de compartir tareas, de hacer cosas o de planearlas, y ya no obliga a los demás ni provoca su restricción. Posee una manera infantil de dominar la experiencia social experimentando, planificando, compartiendo. Llega a sentirse insatisfecho y descontento con la sensación de no ser capaz de hacer cosas y de hacerlas bien y aún perfectas; el sentimiento de inferioridad. Le hacen sentirse inferior psicológicamente, ya sea por su situación económico-social, por su condición "racial" o debido a una deficiente estimulación escolar, pues es precisamente la institución escolar la que debe velar por el establecimiento del sentimiento de laboriosidad.
   
5. Búsqueda de identidad vs. difusión de identidad (desde los 13 hasta los 21 años aproximadamente). Se experimenta búsqueda de identidad y una crisis de identidad, que reavivará los conflictos de cada una de las etapas anteriores; los padres de los adolescentes se verán enfrentando situaciones nuevas que serán un nuevo reto para su misión orientadora. Son características de identidad del adolescente:
   • La perspectiva temporal, orientación en el tiempo y en el espacio
   • La seguridad en sí mismo
   • La experimentación con el rol, énfasis en la acción
   • El aprendizaje, interés por el contacto con el medio ambiente y una estrategia del aprendizaje vital.
   • Polarización sexual: Adecuado grado de desarrollo del propio interés sexual.
   • Liderazgo y adhesión: Adecuada integración al grupo de "pares".
   • El compromiso ideológico, orientación valorativa y participación en el ambiente.
6. Intimidad frente a aislamiento (desde los 21 hasta los 40 años aproximadamente). La intimidad supone la posibilidad de estar cerca de otros ya que posees un sentimiento de saber quién eres, no tienes miedo a “perderte” a ti mismo, como presentan muchos adolescentes el joven adulto ya no tiene que probarse a sí mismo. A esta dificultad se añade que nuestra sociedad tampoco ha hecho mucho por los adultos jóvenes la tendencia maladaptativa que Erikson llama promiscuidad, se refiere particularmente a volverse demasiado abierto, muy fácilmente, sin apenas esfuerzo y sin ninguna profundidad o respeto por tu intimidad. Esta tendencia se puede dar tanto con tu amante, como con tus amigos, compañeros y vecinos.
7. Generatividad frente a estancamiento (desde los 40 hasta los 60 años aproximadamente). Periodo dedicado a la crianza de los niños. La tarea fundamental aquí es lograr un equilibrio apropiado entre la productividad y el estancamiento. La productividad es una extensión del amor hacia el futuro; tiene que ver con una preocupación sobre la siguiente generación y todas las demás futuras: teniendo y criando los hijos, la enseñanza, la escritura, la inventiva, las ciencias y las artes, el activismo social complementan la tarea de productividad. En definitiva, cualquier cosa que llene esa “vieja necesidad de ser necesitado”. El estancamiento, por otro lado, es la “auto-absorción”; cuidar de nadie, las personas tratan de ser tan productivas que llega un momento en que no se pueden permitir nada de tiempo para sí mismos, para relajarse y descansar. Al final, estas personas tampoco logran contribuir algo a la sociedad. Esta es la etapa de la “crisis de la mediana edad” se pregunta “¿Qué estoy haciendo aquí?”.
8. Integridad frente a desesperación (desde aproximadamente los 60 años hasta la muerte). Esta es la última etapa. En la delicada adultez tardía, o madurez, la tarea primordial es lograr una integridad con un mínimo de desesperanza. Primero ocurre un distanciamiento social, desde un sentimiento de inutilidad existe un sentido de inutilidad biológica, debido a que el cuerpo ya no responde como antes; junto a las enfermedades, aparecen las preocupaciones relativas a la muerte. Los amigos mueren; los familiares también y ello contribuye a la aparición de un sentimiento de desesperanza. Como respuesta a esta desesperanza, algunos mayores se empiezan a preocupar con el pasado. La integridad yoica significa llegar a los términos de tu vida, y por tanto, llegar a los términos del final de tu vida. La tendencia mal adaptativa es llamada presunción. Cuando la persona “presume” de una integridad yoica sin afrontar de hecho las dificultades de la senectud.

http://www.cuidatusaludemocional.com/gerascofobia.html

Wikipedia

Proverbia

La venus de Rodas

"Detrás y a través de ella, toda la idea de Grecia resplandece con un brillo triste, como un roto capitel, como los fragmentos de un precioso jarro, como el torso de una estatua a la esperanza". Lawrence Durrell en Reflexiones sobre una Venus marina

La belleza ha quedado inmortalizada en las esculturas de Afrodita (Venus) peinándose, quizás la más destacada pieza de este museo arqueológico, y en la Afrodita Púdica (siglo II a. C.), en la que se puede observar la huella del efecto del mar que sirvió de inspiración al escritor y filoheleno Lawrence Durrell en su obra "Reflexiones sobre una Venus marina".

En Rodas los días van cayendo con tanta suavidad como la fruta del árbol", escribe Lawrence Durrell en Reflexiones sobre una Venus marina. Y tiene razón este enamorado de las islas griegas que residió en Rodas entre 1945 y 1947, que prefirió fijarse en la inquietante estatua de Venus moldeada por un escultor anónimo, casi sin rostro y por muchos años hundida en el fondo del mar. Durrell vio cómo una grúa la sacaba de las aguas del puerto, cubierta de algas tras la segunda guerra mundial. Se halla en el bello edificio medieval del Museo Arqueológico, donde vive protegida por una vitrina y con la cara medio borrada por el mar.

La Rodas que se nos describe es la de la inmediata posguerra, sin gatos, con prisioneros alemanes, alambradas, el aeródromo con sus aviones chamuscados y aún con playas minadas.  Durrell llega desde Egipto (“hervidero de sabandijas”) como oficial de información de las fuerzas de ocupación británicas tras cuatro años de exilio de su querida Grecia. Inmediatamente entra en un éxtasis Egeo con el reencuentro y se pone bajo la advocación de la Venus de Rodas, la bellísima estatua de la diosa pescada en el mar y genius loci de la isla.  El periódico que lanza Durrell tiene sumo éxito por la falta de papel para envolver los pescados. “Eso sitúa al periodismo en su perspectiva correcta”, anota.
 Durrell hizo una sabia reflexión sobre el Coloso, el más famoso símbolo de la isla: "En el siglo VII fueron vendidos los restos de la estatua a un judío de Siria y transportados en camellos a Oriente Próximo para ser fundidos. Es de suponer que la estatua fue transformada una vez más en implementos para una nueva guerra. Ése es el tipo de poesía a la inversa con que vivimos".

La celda de Próspero (Corfú), Reflexiones sobre una Venus marina (Rodas) y Limones amargos (Chipre) constituyen la Trilogía mediterránea de Durrell, la cual reivindica una cierta “islomanía”, como la define uno de los personajes de Reflexiones sobre una Venus marina, una “dolencia del espíritu” que afecta a las personas para las que las islas resultan irresistibles. “El simple conocimiento de que se encuentran en una isla, un pequeño mundo rodeado por el mar, las llena de una indescriptible embriaguez”. Los islómanos natos serían descendientes directos de los atlantes, “y durante toda su vida isleña su subconsciente tiende hacia la perdida Atlántida”.

En conjunto, estos libros 3 de islas, llenos de caiques, pescadores de esponjas, baños en aguas frescas y transparentes de un mar “que enreda y desenreda sus mallas de plata”, veladas con gentes inolvidables. Hay historia, atravesada de mito, leyenda y folclore ("destruye nidos de golondrinas y te saldrán pecas", advierten en Rodas); hay formidables descripciones de paisajes, llenas de un lirismo arrebatador que entra a menudo en el campo de la poesía, hay una riquísima galería de personajes y sucesos; hay política (la ocupación aliada en Rodas al final de la II Guerra Mundial, el conflicto de la enosis, la aspirada unión con Grecia de la comunidad grecochipriota, en Chipre, que nos muestran a Durrell en su avatar de funcionario del Foreign Office), y hay aventura.

http://www.elperiodicodearagon.com/noticias/escenarios/venus-durrell_517526.html
https://elpais.com/cultura/2012/08/23/actualidad/1345723266_009314.html

El rayo verde

El destello verde, o rayo verde es un fenómeno óptico atmosférico que ocurre poco después de la puesta de sol o poco antes de la salida del sol, en el que se puede ver un punto verde, normalmente por uno o dos segundos, sobre la posición del sol. También puede verse como un rayo verde que sale del punto donde se ha puesto el sol. Los destellos verdes son en realidad un grupo de fenómenos que surgen por diferentes causas. Normalmente se ven cuando el horizonte no presenta obstáculos, como en el océano, pero aparecen asimismo sobre nubes y sobre montañas.

Igualmente se puede ver un destello verde producido por otros objetos brillantes en el horizonte, como la Luna, Venus o Júpiter.​

El rayo verde sólo puede verse, según la leyenda, en la puesta de sol, por aquellas personas que están verdaderamente enamoradas. Otra variante es que si dos personas contemplan este rayo a la vez, se enamoran al instante la una de la otra. También hay la creencia que en ese momento, el observador del fenómeno puede saber con exactitud los conocimientos de todo aquel que le rodea.

La mayoría de las veces, el fenómeno se observa en forma de óvalo, cuando el sol ya ha desaparecido, la superficie está a más temperatura que el aire que se encuentra encima y el observador está muy próximo al nivel del mar. También puede ocurrir que aparezca aun cuando el sol no se ha puesto del todo, y se debe a que una capa de inversión térmica se encuentra por debajo del observador. También puede que aparezca algo parecido a un reloj de arena, aunque resulta muy difícil de verse. Y para terminar, el rayo verde en sí aparece justo después de que se ponga el sol y parece un fogonazo verde justo en el lugar donde estaba la porción de disco solar que ya está por debajo del horizonte.

Este fenómeno ocurre por eso que llamamos “refracción”, es decir, la dispersión de la luz y el reflejo de esta debido a condiciones ópticas provocadas, en gran medida, por las condiciones meteorológicas. Y esta refracción la que provoca que la luz tome otra longitud de onda, cambiando su color hacia tonos a los que no estamos acostumbrados a contemplar en el cielo. Un ejemplo de la refracción y su efecto en los colores es el azul del cielo, que es provocado por la atmósfera, aun cuando el Sol emita luz amarilla.

Así, las tonalidades que pertenecen a longitudes de onda más débiles (como el azul) se pierdan, y si las condiciones son favorables, otras tonalidades también se pierden, predominando las longitudes de onda cercanas al verde durante un brevísimo espacio de tiempo.

Ya en inscripciones del antiguo Egipto se hacia mención a un "Sol verde", pero se consideró un simple mito hasta que en 1883 la revista Nature hizo la primera referencia científica a la realidad del fenómeno. Desde entonces "cazarlo" fotográficamente ha sido el objetivo de muchos.

El concepto del destello o rayo verde fue popularizado por la novela El rayo verde de 1882, de Julio Verne, en la que se describe su color como "...un verde que ningún artista podría jamás obtener en su paleta, un verde del cual ni los variados tintes de la vegetación ni los tonos del más limpio mar podrían nunca producir un igual! Si hay un verde en el Paraíso, no puede ser salvo de este tono, que muy seguramente es el verdadero verde de la Esperanza!"

En las puestas de sol de mi infancia mi abuelo siempre competía con nosotros para ver quién era capaz de ver el rayo verde. Mis primos y yo no estábamos muy seguros de que existiera, pero lo buscábamos y alguna vez creímos verlo. Mi abuelo era un hombre de ciencia, pero muy dado a las veleidades de la fantasía, por lo que no solíamos tomarnos muy en serio sus historias.

Pero sí, el rayo verde existe, no sólo por la novela de Julio Verne, que seguramente era su inspiración, sino porque la ciencia así lo dice.

Abuelo, gracias por enseñarnos tantas cosas y por dotarnos de un espíritu escéptico... 
y por tantas cosas...
PS: me he enterado de que mi otro abuelo, del que no tengo recuerdos, también tenía la costumbre de buscar el rayo verde en las puestas de sol de las playas de Huelva. El curioso cómo la magia de los fenómenos atmosféricos une a personas que no se han encontrado en el tiempo.

Pájaro del agua, ¿por qué cantas?

Pájaro del agua
¿qué cantas, qué encantas?

A la tarde nueva
das una nostalgia
de eternidad fresca,
de gloria mojada.
El sol se desnuda
sobre tu cantata.

¡Pájaro del agua!

Desde los rosales
de mi jardín llama
a esas nubes bellas,
cargadas de lágrima.
Quisiera en las rosas
ver gotas de plata.

¡Pájaro del agua!

Mi canto también
es canto de agua.
En mi primavera,
la nube gris baja
hasta los rosales
de mis esperanzas.

¡Pájaro del agua!

Amo el son errante
y azul que desgranas
en las hojas verdes,
en la fuente blanca.
¡No te vayas tú,
corazón con alas!

Pájaro del agua
¿qué encantas, qué cantas?

Juan Ramón Jiménez, Baladas de primavera, 1907

Las baladas de primavera fueron gestadas en un paréntesis de tranquilidad y sosiego proporcionado por la experiencia de la primavera de 1907 y el reencuentro con el amor (Blanca Hernández Pinzón).

El poeta, tras su estancia en Madrid en un sanatorio por una depresión, vuelve a su pueblo natal y se reeencuentra con la autenticidad de la naturaleza, la sencillez de las relaciones en la vida del campo y su obra y su pensamiento experimentan un cambio.

Siempre en busca de la belleza absoluta, de la poesía y del espíritu que él intenta fundir con su lirismo.

la bella durmiente

"La bella durmiente del bosque" es un cuento de hadas nacido de la tradición oral europea. Las versiones más difundidas son, en orden cronológico, "Talía, Sol y Luna", del italiano Giambattista Basile (Pentamerón, 1634), "La bella del bosque durmiente", del francés Charles Perrault, (Los cuentos de mamá gansa, 1697) y "Rosita de Espino o La Bella durmiente del bosque", de los alemanes Jacob y Wilhelm Grimm (Cuentos de la Infancia y el Hogar, 1812). En la actualidad, las versiones más populares suelen ser relatos basados en el cuento de Charles Perrault e influidos por elementos del de los Hermanos Grimm.

Edward Coley Burne-Jones

La más curiosa versión es la que Giambattista Basile plasmó en su obra “Pentamerone”y la que muchos reconocen como la primera versión del cuento. Describe cómo una princesa, Talía, que se pincha con una astilla envenenada, se sumerge en un sueño profundo y es abandonada en el bosque por su padre, que la cree muerta. Un príncipe que pasa por el lugar la viola y la deja embarazada de dos gemelos llamados Sol y Luna, que al nacer son cuidados por hadas. Un día uno de los gemelos mientras mama le extrae la astilla envenenada y la princesa despierta. El príncipe vuelve a pasar por allí y al encontrarla le confiesa que es el padre de sus hijos. Cuando la esposa del príncipe se entera de su aventura con la princesa pide al cocinero que degolle a los gemelos y prepare un guiso para su marido con las cabezas de sus propios hijos como castigo, pero el cocinero se apiada y sustituye a los niños por una cabra. El castigo designado a la princesa  Talía es el de ser quemada viva en una hoguera, aunque afortunadamente el príncipe la rescata y es la malvada esposa la que acaba pereciendo en el fuego. 

John Dickson Batten

A nivel estructural se establece una diferencia principal entre lo sucedido con “La Bella durmiente del bosque” de Perrault y la “Bella durmiente” de los hermanos Grimm, ya que del primer relato es posible identificar dos partes constitutivas (antes y después del matrimonio de la princesa y el príncipe), mientras que en el segundo todo termina con el despertar y la boda, que es la versión más conocida por todos nosotros. El número de hadas que ofrecen sus presentes a la princesa y el tipo de éstos varía según la adaptación; según Perrault eran siete las hadas que habitaban en el reino y lo entregado por cada una de ellas hacía alusión a cualidades femeninas resaltadas en su época como bailar, cantar, tocar instrumentos, mientras Los hermanos Grimm señalaban a trece hadas que se presentan ante la homenajeada con una serie de virtudes, entre las que se destaca principalmente la inteligencia. El beso en el encuentro del príncipe con la princesa aún dormida es un componente exclusivo de la obra de los Grimm, pues no está presente en el escrito de Perrault.

Bruno Bettelheim, en su obra "Psicoanálisis de los cuentos de hadas" prueba que estos relatos ayudan psicológicamente a los niños y niñas proporcionando "criterios de valor" desde un lenguaje alegórico, mítico y mágico, que no es otro que el de la propia infancia. Además indica que la estructura de estos textos convoca arquetipos de la esencia humana, que penetran adecuadamente en la mente infantil. Bettelheim afirma que mediante los cuentos de hadas los niños van conociendo, con alegorías adecuadas a su modo de aprehender el mundo, la cruda realidad de la vida.

Desde un enfoque psicoanalítico, Bruno Bettelheim sostiene que el tema central de todas las versiones de la Bella durmiente es que los padres no pueden evitar el despertar sexual de sus hijos. El pinchazo simboliza la primera hemorragia menstrual, el sueño el período de maduración antes de estar disponible para una iniciación sexual oportuna y también el aislamiento narcisista que conlleva a que ésta no se produzca. El beso del príncipe es tal iniciación.

Edward Coley Burne-Jones

Las trece hadas del cuento son una representación de los 13 meses lunares en los que antiguamente se dividía el año, cada uno de 28 días al igual que el ciclo menstrual que según se creía aparecería a los quince años, edad en que la bella durmiente cae en el sueño de 100años. La sangre que emana del dedo de la princesa es producto del contacto con el huso durante el encuentro con una anciana mujer y primitivamente se llegó a pensar que la regla se heredaba de mujer a mujer. Aunque son muchos los príncipes que intentan llegar a la bella durmiente, antes de que trascurriera el tiempo necesario para su maduración, estos pretendientes perecen en el intento enredados en las zarzas que rodean el castillo. Esto ha sido interpretado como una advertencia que asegura que cualquier excitación sexual antes de que cuerpo y mente estén bien preparados suele ser destructiva.

Además de florecimiento sexual, los cien años de sueño eterno son entendidos como un periodo de lucha interna y reordenación de los pensamientos. El rey no acepta el irremisible proceso de metamorfosis de la princesa, pues intenta impedir que su hija se encuentre con un huso (rueca), palabra que en inglés designa también al sexo femenino. La reina en cambio se abstiene de entrometerse en la situación, bastante familiar por su condición.

John Collier

Por su parte, la crítica feminista ha tomado a la protagonista, condenada a la pasividad en espera de un hombre que la salve, como símbolo de la situación de la mujer en la sociedad patriarcal. Autoras como Hélène Cixous proponen la reescritura de todas estos cuentos tradicionales, ya que estos, en sus versiones clásicas,emanan de y perpetúan el sistema patriarcal. Ella misma incluso realiza una relectura del cuento clásico que implica menoscabar tal sistema en vez de reforzarlo. Según esta lectura el cuento evidencia a un hombre que necesita que la mujer sea una "muñeca", un ser bello pero manejable, ya que para apropiarse él de la actitud activa y de la posibilidad creadora le es preciso que la mujer esté "adormecida".
Y esta última interpretación es la que más pude satisfacernos hoy en día, teniendo en cuenta que la historia original es una violación que se resuelve con un "feliz matrimonio".

Victor Vasnetsov

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